"Déchiqueteuse de bois de 100 acres"

May 23, 2023

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Forrest Gump est Andrew Scott Bell, en quelque sorte. Lorsque ses parents ont acheté la bande originale de deux disques, remplie de morceaux de Bob Dylan et Creedence Clearwater Revival, il s’est surtout tourné vers la dernière piste, « Forrest Gump Suite », du compositeur Alan Silvestri, également connu pour What Lies Beneath, Castaway et Avengers: Infinity War, parmi d’innombrables autres œuvres.

« Je me souviens d’avoir entendu la piste et des étincelles de foudre dans mon cerveau », a-t-il déclaré à Bloody Disgusting. Alors, il l’a écouté encore et encore jusqu’à ce qu’il apprenne à le jouer au piano. « Je n’oublierai jamais comment y jouer », ajoute-t-il.

Originaire du nord de l’État de New York, Bell a grandi dans une maison très religieuse. Étant un « enfant queer bizarre », il s’est retrouvé à prendre des leçons de danse, de ballet et de piano. « Quand j’étais très jeune, j’ai atterri sur l’art et le dessin, et j’étais vraiment dans ça. Dans un cours d’art, vous pouvez simplement faire votre propre peinture. Vous n’avez pas besoin de peindre comme tout le monde. Vous pouvez simplement vous exprimer. La bande dessinée emblématique Garfield de Jim Davis l’a inspiré à avoir un jour sa propre bande dessinée dans le journal du dimanche. « C’était mon rêve », dit-il en riant.

Une autre figure importante dans son développement artistique précoce était James Horner (Casper, Aliens, Deep Impact). « Je n’ai pas vraiment réalisé jusqu’à ce que je sois adulte qu’en regardant en arrière les films que j’aimais quand j’étais enfant et combien d’entre eux 一 comme 'Land Before Time', 'An American Tail', 'Casper' 一 ont été écrits par lui », dit Bell.

Au fur et à mesure qu’il développe son propre style, Bernard Herrmann (Psychose, Citizen Kane) deviendra partie intégrante de son travail. « J’aime la façon dont ses partitions sont audacieuses et vous mettent vraiment en face. Quelqu’un a un jour décrit ma musique comme une combinaison entre Bernard Herrmann et Hans Zimmer. Cela m’a vraiment parlé. Je me suis en quelque sorte tourné vers 一 je ne dirais pas plus classique, mais vers des harmonies d’horreur plus old school. » Pensez à Frankenstein et King Kong, en ce qui concerne leurs « gros vieux trucs grandiloquents ».

Grâce à des leçons de piano, Bell a commencé à écrire ses propres morceaux de musique. « Je m’asseyais au piano et je créais un film », dit-il. « Je ne savais pas que je faisais ça, mais j’avais une chanson sur un robot et un enfant. Il a probablement été inconsciemment inspiré par 'The Iron Giant'. J’ai toujours voulu faire partie de la narration, et la musique est un peu la façon dont j’entre dans la réalisation et la narration. » À un moment donné de son parcours, il a voulu être réalisateur. « Je courais avec une caméra vidéo avec mes amis », réfléchit-il, ajoutant que raconter des histoires est « l’une des meilleures choses que les humains font ».

La vie l’a finalement conduit à l’Université Christopher Newport à Newport News, en Virginie, où il a étudié l’orchestration classique, la théorie musicale et la composition. Il a commencé à composer des musiques de films en 2009, mais les choses ne se sont pas correctement mises en branle avant 2012. Le milieu des années 2010 a apporté une foule de projets, y compris des films comme The Last Punch et Rocket, un court métrage qui lui a valu un prix d’académie étudiant. En 2015, il a finalement déménagé à Los Angeles.

Dans les années suivantes, il a obtenu des crédits pour Deathcember, Home Sweet Home de NBC et Psycho Storm Chase sur Lifetime. Décrocher le concert pour Winnie l’ourson : du sang et du miel est le résultat d’une série d’événements fortuits. Il avait entendu des rumeurs sur le film des mois auparavant, mais ce n’est que lorsque les photos ont été publiées et « sont devenues massivement virales » qu’il a vraiment attiré son attention.

Il a contacté le réalisateur Rhys Frake-Waterfield via Instagram en répondant à une histoire sur la ruine de l’enfance de quelqu’un. « Puis-je vous aider à ruiner l’enfance des gens ? », a-t-il posté avec un emoji violon. Plus tard, il s’est rendu compte qu’il avait déjà rencontré le directeur de la photographie Vince Knight sur le circuit des festivals pendant la course Rocket. Knight a immédiatement recommandé Bell pour le travail, et c’était parti pour les courses à partir de là.

En ce qui concerne ses plus grands points à retenir du projet, il partage: « Nous avons fait ce film pour des miettes. Tout le monde y a consacré sa passion et son plaisir. Je pouvais le voir quand nous regardions le montage approximatif et que les gens riaient entre les prises. Je voulais me joindre à la fête. Musicalement, j’ai plongé et je me suis éclaté. » Ci-dessous, Bell creuse dans son travail et comment il a abordé certains morceaux.

Bloody Disgusting: Vers quelles autres musiques de films avez-vous gravité?

Andrew Scott Bell : Eh bien, j’ai adoré John Williams. Je me souviens d’avoir su qui il était, mais peut-être pas autant que je le sais maintenant. Je connaissais les grands comme « Star Wars », « Indiana Jones » et « E.T. », qui est l’un de mes préférés. Je me souviens distinctement 一 Je devais être en première ou deuxième année et nous prenions un test difficile 一 terminer le test et marcher vers mon professeur et fredonner dans ma tête le Dun, dun, dun, dun, dun, dun. J’ai dû le fredonner à haute voix parce que le professeur m’a dit : « Oh, tu aimes Star Wars. J’aime aussi Star Wars. » J’ai été époustouflé qu’elle connaisse Star Wars. Quand vous étiez enfant, vous ne réalisez pas que les choses que vous regardez sur votre cassette VHS à la maison, tout le monde les regarde aussi.

BD : Lorsque vous bricolez des idées, vers quel instrument vous adressez-vous plus souvent que les autres ?

Cloche: Je joue surtout au piano. Comme nous en avons parlé plus tôt, mon introduction à la musique s’est faite assis au piano. Le cerveau de chacun est tellement différent, et j’aime le piano parce qu’il est visuellement disposé. Chaque note a sa propre tonalité, et vous pouvez la voir et construire des accords. Contrairement à une guitare, où il y a une frette par note, mais ensuite il y a la corde suivante et la corde suivante à la corde suivante. Donc, il y a six cordes. Avec le piano, c’est là que je m’assois en premier. Je trouve des idées thématiques et des mélodies. Quand je commence à l’orchestrer, c’est à ce moment-là que je commence à jouer des choses dans différents instruments et à m’amuser avec ça. Certaines idées viennent de l’instrument lui-même. Avec Winnie l’ourson, par exemple, quand vous le voyez enfin dans sa forme adulte, je me suis enregistré en train de jouer du violoncelle 24 fois, ce qui est trois fois plus grand qu’une section de violoncelle normale. Cette idée est venue de l’instrument. Ce n’était pas comme si j’étais assis ici au piano en me disant : 'Oh, je vais faire ça pour 'Pooh'. »

BD : Comment vous assurez-vous que la partition comporte un arc ?

Cloche: Cela vient dans les thèmes. Il y a un livre que j’ai lu intitulé « On Repeat: How Music Plays the Mind ». Il s’agit essentiellement de la répétition dans la musique et de la façon dont elle incite notre cerveau à pomper de la dopamine. La version la plus simple de ceci est comme la chanson pop, où quand vous l’écoutez, vous vous dites: « Ça a l’air cool. » Vous entendez le refrain la première fois que vous écoutez, et vous vous dites : « J’aime ça. Je n’ai jamais entendu quelque chose comme ça auparavant. » Et puis ça revient au couplet et tout ce temps pendant le deuxième couplet, vous vous dites : « Ramenez-moi à ce refrain. » Et vous attendez juste qu’il revienne. Quand cela arrive, notre cerveau dit inconsciemment: « Vous pensiez que cette partie que vous avez entendue auparavant allait se produire, et vous avez raison. Alors voici un peu de dopamine pour avoir raison. » Cela se produit également chaque fois que vous entendez la chanson pour le reste de votre vie.

Donc, pour moi, je suis toujours en train de poursuivre cela dans une musique de film sur une plus longue période de temps. Vous pouvez entendre un thème un peu saupoudré, peut-être que c’est juste une pure déclaration du thème. Peut-être au tout début du film. Il y a le thème de Christopher Robin en pleine force, de sorte que plus tard, lorsque vous l’entendez saupoudré dans les scènes, cela vous donne en quelque sorte, inconsciemment, ce sentiment d’arc. C’est aussi très, très gratifiant.

BD : Ce qui frappe le plus dans la partition, c’est son sens de la fantaisie. Comment avez-vous franchi la ligne entre la fantaisie et l’obscurité ?

Cloche: Je n’ai jamais voulu que la musique se dise : « Oh, voici ce moment fantaisiste, et puis, voici ce côté sombre. » Je voulais qu’ils se sentent comme un son cohérent ensemble. Le thème principal au tout début du film pendant le prologue change vraiment de tonalité, presque toutes les deux mesures, et il continue de rebondir d’avant en arrière. On n’a pas l’impression d’atterrir. C’est comme déplacer les sables sous vos pieds. C’est un peu comme vous emmener en voyage. L’intro a ces deux sons, et on a l’impression qu’elle marie ces deux sons ensemble. Ensuite, pour le reste du film, je ne fais que les mélanger. Il y a un morceau qui s’appelle 'Together Forever'. Il ne semble pas nécessairement plus sombre que le prologue d’ouverture, mais c’est le même thème. C’est des basses basses et du violoncelle grave. Personnellement, je ne sais jamais si j’ai l’impression d’avoir deux partitions différentes en une, mais je pense que j’ai réussi. Vous prenez des coups de couteau dans le noir, et vous espérez que l’intention se manifeste que vous les montrez séparément au début du prologue, puis que vous les fusionniez en un son cohérent tout au long du film.

BD : Le morceau intitulé « 100 Acre Wood Chipper » est un morceau de musique essentiel. Comment cela s’est-il passé pour vous ?

Cloche: C’est amusant. C’était l’un des premiers que j’ai faits. Voyons voir: je pense que c’était la deuxième scène que j’ai marquée. Celui-ci était le premier que j’ai fait après avoir acheté un tas de pots en argile. Vous pouvez entendre ce genre de choses ici. [joue un peu de la piste] C’est moi avec un tas de micros avec une batterie de casseroles. Il y a des percussions basses, et je joue trop haut avec celles-ci. C’était une idée un peu bizarre et loufoque. C’est un peu ringard, mais nous avions besoin de refléter les pots de miel de Pooh. Par exemple, ici [joue un autre extrait], vous pouvez m’entendre avec un maillet entre deux pots d’argile qui vont et viennent entre eux.

Ensuite, il y a un son que j’appelle la tête d’ours. C’était un instrument sur mesure fabriqué pour moi par un luthier expérimental nommé Tyler Thackray. C’est le seul au monde qui ressemble à ça. [le lève en vue] C’est un manche de ukulélé basse avec des cordes de ukulélé basse, bien que j’aie cassé deux des trois cordes pendant l’enregistrement. Ensuite, il a un manche de violon pour enfants avec ce qu’on appelle des cordes sympathiques qui résonnent lorsque vous jouez et inclinez la corde. C’est un corps de boîte à cigares avec un résonateur de couvercle de boîte de peinture. À l’intérieur de la boîte à cigares se trouvent des rangées de ressorts, de sorte que lorsque vous la branchez dans le signal pour le cric, le signal électronique passe par les ressorts. C’est ce qu’on appelle une réverbération à ressort, et elle envoie le signal à travers les ressorts et fait un écho.

BD : « 100 acre Hoodlums » est un autre morceau qui se démarque immédiatement.

Cloche: Il a également des pots en argile. Ensuite, il y a le violoncelle ici. [lecture du clip] Peut-être deux d’entre eux. C’est juste moi qui joue avec un micro très proche pour que vous entendiez le souffle du crin de cheval sur l’arc. C’est différent de la façon dont vous pourriez normalement entendre un violoncelle. Je suis vraiment obsédé par ce qu’il y a dans la musique qui s’appelle trois contre deux [connu sous le nom de polyrythmie]. L’idée de l’arrière-plan synthétique est venue lorsque nous étions sur un bateau de croisière pour célébrer la retraite de mon père. Je me suis réveillé au milieu de la nuit, j’ai enregistré un mémo vocal, puis je suis retourné me coucher. J’ai bu un verre ou quelque chose comme ça. Je l’ai écouté le lendemain matin, et il disait juste : « Des tambours sous l’eau. » De quoi est-ce que je parle? Mais il y a ceci. [lecture de l’extrait] Je n’ai pas littéralement enregistré de batterie sous l’eau, mais j’essayais d’obtenir ce son.

BD : Vers la fin de la bande originale, il y a « Pooh Gives Maria a Ahead Start », peut-être le meilleur du groupe. Quel a été le processus pour créer celui-ci?

Cloche: Vous pouvez m’entendre faire un peu de la chorale. Nous n’avions pas vraiment le budget pour un grand orchestre. Je ne veux jamais que le budget fasse souffrir la musique. Vous m’embauchez pour un travail, alors voyons comment obtenir un excellent son avec le budget que vous avez. Je joue moi-même beaucoup d’instruments. Je joue et superpose des violons, violoncelle, trompette, quelques solos de clarinette. J’ai aussi cet instrument ici appelé Beehive-o-lin, et c’est le seul qui existe dans le monde.

Quand j’ai signé pour la première fois pour faire ce film, je me suis souvenu d’un article que j’avais lu dans The New Yorker sur Tyler Thackray. Une phrase était : « Par exemple, j’ai mis un violon dans une ruche pour voir ce qui se passerait. » Je l’ai contacté et je lui ai posé des questions à ce sujet. Il dit : « Oh, j’ai oublié ça. » Je lui ai demandé de l’utiliser sur une bande son. Il m’a dit : « Bien sûr, monte ! » Nous sommes allés à San Francisco et nous l’avons sorti. Il était recouvert de miel et de nid d’abeille. Cela semble vraiment étrange. J’ai joué avec et je l’ai superposé. J’ai découvert que cela ressemblait un peu à des abeilles bourdonnantes. Il s’agit de cinq performances superposées. [lit la piste]

Tout au long de la bande-son, il y a un grand chœur d’hommes menaçant. Je les ai tous enregistrés moi-même, peut-être 18 ou 20 fois. Ce que j’aime chez Rhys, c’est qu’il n’a jamais dit non. Il disait toujours : « Je veux entendre ça. » C’est l’environnement le plus amusant pour travailler 一 le réalisateur qui s’enthousiasme avec vous. Je lui ai envoyé un texto : « Et si nous avions une chorale qui chante « sang et miel » en latin qui est « sanguis et mel ». Et il dit : « Ça a l’air cher. » Et je me dis : « Je l’ai couvert. » C’est moi. Vous faites juste un tas de voix différentes. Une fois qu’il est combiné avec les autres instruments, il a cette présence.

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Suivant de Host et directeur de Dashcam Rob Savage est Le Boogeymanfondé sur Stephen King 1973 nouvelle, qui est maintenant à l’affiche dans les salles ce week-end.

Savage s’est entretenu avec Bloody Disgusting à propos de la réalisation d’un film de studio dans la foulée de deux films d’horreur à plus petite échelle, tout en discutant des leçons qu’il a tirées de ces expériences, ainsi que de son approche de la conception d’une créature PG-13 testant les limites.

« Je ne m’étais jamais vraiment considéré comme quelqu’un qui réaliserait des films de found footage, puis j’ai fini par en faire deux l’un à la suite », explique Savage à propos de la transition de Dashcam à The Boogeyman. "Mais il a fallu un peu de sursaut pour revenir à ce mode de narration. J’ai été étonné de voir tout ce que j’ai pu prendre en travaillant sur Host et Dashcam et en travaillant sur ce film. Ces deux films étaient totalement improvisés. »

Savage poursuit: « Je pensais que ce film serait beaucoup plus rigide parce que c’est un film de studio et c’est une bête très différente. En fait, il y avait beaucoup de place pour l’improvisation et jouer avec les scènes avec les acteurs. Tant de moments les meilleurs, les plus drôles et les plus touchants de ce film que nous avons imaginés ce jour-là, ou les acteurs apportés par expérience personnelle. Il y avait encore beaucoup de place et beaucoup d’ADN partagé, plus que je ne l’aurais pensé. »

Le réalisateur Rob Savage sur le tournage de BOOGEYMAN de 20th Century Studios. Photo Patti Perret. © 2023 20th Century Studios. Tous réservés.

S’il y a une ligne commune entre les trois longs métrages réalisés par Rob Savage jusqu’à présent, c’est l’engagement inébranlable du cinéaste à faire peur. La réponse de Savage était plus complexe lorsqu’on lui a demandé si cet ADN partagé avait aidé à faire The Boogeyman.

« Les parties que je devais vraiment apprendre sur le tas, c’était plus vers la fin du film, les rythmes d’action-horreur », explique-t-il. « Je n’avais jamais rien fait avec, je veux dire, je suppose un peu dans Dashcam, mais encore une fois, c’est comme des images trouvées, donc c’est une bête différente. Mais ce genre d’aspect plus physique de la créature, surtout quand il s’agit d’une création entièrement CG comme notre monstre l’était. Lutter avec cette chose. Nous avions une tête de créature imprimée en 3D que j’avais sur un bâton, comme un cheval de pantomime, et je courais vers les acteurs en hurlant..

« Je photographiais tous les angles, et j’avais tout scénarisé, mais il est très difficile de savoir si cela va se mettre en place jusqu’à ce que vous le voyiez avec la créature. Mais ce qui était utile, c’était les deux premiers tiers de ce film; Je le voyais plus comme un film de maison hantée. Je ne voulais pas voir grand-chose de cette créature. Je voulais que vous vous sentiez très en danger chaque fois qu’il y avait de l’obscurité dans le cadre ou une porte, et beaucoup de cela jouait dans le même stade que l’hôte. J’avais donc l’impression d’avoir fait mes devoirs là-bas. »

Parce que le concept du Boogeyman est si banal et défini de manière nébuleuse, il a créé un défi pour Savage quand il s’agissait de développer la conception originale de la créature du film.

Il détaille : « Je ne voulais pas invalider l’idée que quiconque se fait de ce qu’est la créature parce que chacun a sa propre idée. Le Boogeyman n’est vraiment que ce nom que nous donnons à tout ce que nous imaginons dans l’obscurité quand nous étions enfants. Donc, je voulais que les gens partent et sentent toujours qu’ils pouvaient projeter leurs propres peurs sur cette créature.. Nous voulions quelque chose de très simple et frappant. Je voulais aussi que vous voyiez la créature à la fin, évidemment parce que la famille doit faire face à cette chose, mais je voulais qu’il y ait un aspect que vous ne compreniez pas tout à fait ou qui faisait allusion à cette mythologie plus profonde.

« Nous avons fini par pousser dans cet étrange endroit d’horreur corporelle lovecraftienne que je suis toujours étonné que nous nous en soyons sortis dans un film PG-13. Mais c’était notre tentative. C’était notre tentative d’honorer l’histoire, qui se termine par des grizzlis qui pelent la peau; et faire allusion à cette horreur cosmique au-delà de ce que nous voyons à l’écran."

Observez l’horreur cosmique de Savage dans The Boogeyman, actuellement à l’affiche dans les salles de cinéma.